吹き出し（白）、 　
白のマイラーバルーン、ヘリウム

Speech Bubbles (White), 1997
White Mylar balloons, helium

《吹き出し（白）》はフィリップ・パレーノによる《吹き出し》（1997 年〜）シリーズの一作品で、漫画で使われる吹き出しの形をした風船からなります。パレーノが用いる吹き出しは、現代社会では語られない言葉と言語を象徴しています。

《吹き出し（白）》は十数種類のカラーバリエーションをもつ本シリーズ最初の作品です。当初は労働組合員が風船に自らのスローガンを書き、労働組合のデモで使われることが構想されていました。このアクションは実行されませんでしたが、本作と語られない考えや議論との関係性は残っています。

Speech Bubbles (White) is part of the series of Philippe Parreno's Speech Bubbles (1997 - ongoing), which consist of helium filled inflatable balloons cast in the graphic form of the dialogue frame used in comic strips. The visual sign of the speech bubble used by Parreno alludes to the unspoken words and language as a suspended state in contemporary societies. Initially, the Speech Bubbles (White) -the first of the series - were conceived to be used at a labor union demonstration at which unionists were to write their slogans on the balloons. While this action did not take place, the association with unspoken thoughts or discussions remains.

Exhibition view: A Time Coloured Space, Museu Serralves, Porto, 2017
Collection FRAC Grand Large - Hauts-de-France, Dunkirk
Photo © Andrea Rossetti

ハッピー・エンディング 　
クリスタルガラス、電気系統、調光器、スイッチとプラグ（黒）

本作はフィリップ・パレーノによる初期作品の変化系です。独特の手吹きガラスのランプで、作品により少しずつ異なるネックと電気コードがついています。現在の姿になるまでに度々変化を重ねており、本作のかつての姿を亡霊のように思い起こさせます。

もともとは1996年、ストックホルムでの個展の際に構想されました。パレーノは展示スペースがある場所にかつて計画されたホテル（建設されず）のためにアルネ・ヤコブセンがデザインしたランプを展示しました。空っぽな空間に展示されたランプが、一見プラグは刺さっていないのに、不思議にも点灯しているというものでした。1997年のパリでの個展で、この作品をガラスを用いて再解釈し、ヤコブセンのランプとは全く違う、現在の姿に近い作品を発表しました。これに関してパレーノは「単にイメージのイメージである」と語っています。

Happy Ending is an incarnation of an early work by Philippe Parreno. This is a unique hand-blown glass lamp, part of a series each with a slightly different neck and electrical cord. This work has been reincarnated again, creating a ghostly reminder of the artist's previous exhibitions.

The original work was conceived for his 1996 solo exhibition at Stockholm. On that occasion, Parreno presented a lamp designed by Arne Jacobsen intended for a hotel that would have been located on the exact same site than the Swedish art space; the hotel was never built. The lamp, displayed in an empty space, was mysteriously lit without being visibly plugged in. In 1997, on the occasion of a solo exhibition in Paris, Parreno presented glass reinterpretations of previous works that no longer existed, including the Happy Ending lamp. The glass lamp bared no resemblance to the original model; as explained by the artist "it was simply an image of an image."

Exhibition view: Philippe Parreno, Gropius Bau,Berlin, 2018
Courtesy the artist; Pilar Corrias, London; Gladstone Gallery, New York and Brussels; EstherSchipper, Berlin 　　Photo © Andrea Rossetti

しゃべる石 　
人工石、ワイヤレススピーカーシステム

La pierre qui parle (The Speaking Stone), 2018
Synthetic stone, wireless speaker system

ワイヤレススピーカーを内蔵した人工石が部屋の真ん中に置かれ、フィリップ・パレーノ執筆、俳優村上純子の声（日本語版）による、オートマトンについてのテキストを語ります。

本作はパレーノによる1994 年の作品《しゃべる石》の変化系です。ルツェルン美術館でのグループ展「バックステージ」で構想されました。オリジナル版の《しゃべる石》は、ジャン・リュック・ゴダールの声をまねたパレーノ自身の声で、美学と認知科学における表現の状態についての講義を伝えていました。

A synthetic stone containing a wireless speaker is placed in the center of an empty room and delivers a text on automatons written by Philippe Parreno and read by an actress Junko Murakami (Japanese version).

The work is a new iteration of Parreno's 1994 Speaking Stone, conceived on the occasion of the group exhibition Backstage at Kunstmuseum Luzern. The initial version of the Speaking Stone delivered a lecture on the status of representation in aesthetics and cognitive sciences, read by the artist imitating the voice of Jean-Luc Godard.

リアリティー・パークの雪だるま 　
氷の彫刻

花嫁の壁 　
アクリルガラス、証明レール、LEDスポットライト、電気プラグ、電源アダプタ

Wall for the Bride, 2018
Acrylic glass, copper lighting track, LED spotlights, electric plugs and power adapters

透明のアクリル、コンピュータープログラムのコントロールのもと明滅するLEDスポットライト、アクリルに刺さる４本の“AC/DCヘビ”（電気プラグと電源アダプタの集合体）からなる作品です。
本作にはフィリップ・パレーノや、他のアーティストの小作品を掛けることができ、メディアとしての展覧会を現在進行形で探求するという、パレーノの中心的なモチーフを体現しています。パレーノによると、《花嫁の壁》は“準-客体”です。フランスの哲学者ミシェル・セールが発明し、哲学者ブルーノ・ラトゥールが発展させたこのコンセプトは、サッカーにおけるボールのように、自ら動く主体とはいえないが、状況を導いていくのでただの客体ともいえない物体を指した言葉です。パレーノにとっては、展示の文脈との関係性から切り離せないオブジェという存在を表しています。
本作はもともと、パレーノが指揮したフィラデルフィア美術館でのグループ展「花嫁のまわりで踊る」（2012年）のために構想されました。当時はアクリル板のみで、本作のタイトルの由来であるデュシャンの絵画《花嫁》が掛けられていました。形はデュシャンの有名な作品「大ガラス」としても知られる《彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも》(1915-23年) から取られています。 　

Wall for the Bride consists of a transparent acrylic corpus that is lit from within by four LED spotlights that flicker alternatively, controlled by a computer program. Four AC/DC Snakes—multiples of electric plugs and power adapters—are plugged directly into the front and back sides of the wall.
The work embodies central motifs of Parreno ongoing exploration of the exhibition as a medium. In the artist’s words, Wall for the Bride is a quasi-object. Originally devised by French philosopher Michel Serres, and then developed by fellow philosopher Bruno Latour, the concept designates for Parreno the existence of objects as inseparable from the relationship to the context in which they are exhibited.
The work was initially conceived for Dancing around the Bride in 2012, a group exhibition at the Philadelphia Museum of Art orchestrated by Parreno. At that time, the wall consisted of a simple acrylic corpus on which was hung a small painting by Marcel Duchamp, Bride (1912), hence giving its title to the work. Formally, Wall for the Bride refers to Duchamp’s famously enigmatic The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even, also known as The Large Glass (1915-1923).

壁紙マリリン 　
壁紙に燐光性インク

Exhibition view: Philippe Parreno, Gropius Bau,Berlin, 2018
Courtesy the artist; Pilar Corrias, London; Gladstone Gallery, New York and Brussels; Esther Schipper, Berlin　　　　Photo © Andrea Rossetti

《壁紙 マリリン》(2018年) はドイツで初の大規模な個展となったベルリン、グロピウス・バウでの展覧会の際に構想されました。壁紙に描かれているのはアヤメの花で、紙に燐光性インクでプリントされています。光を蓄積し、暗闇の中で強い光を発します。

この柄はパレーノによる2012 年の映像作品《マリリン》の舞台セットの背景にも登場しています。この壁紙を通して、《マリリン》、その舞台セット、さらに舞台のモデルとなった実際の場所が示唆されています。
映像作品《マリリン》は、1950 年代にマリリン・モンローが住んでいたニューヨークのウォルドルフ＝アストリア・ホテルのスイートルームのセットの中で、３つの機械が亡くなったマリリン・モンローの存在を呼び覚ますというものでした。カメラが彼女の目となって視界を映し、コンピューターが彼女の声のリズム、アクセント、イントネーションを再構築し、ロボットが筆跡を再現します。パレーノは、マリリン・モンローのノートの断片を集めた本で、モンローの手書きの文字を見たとき、このプロジェクトを思いついたと記しています。

Wallpaper Marilyn was conceived by Philippe Parreno on the occasion of his first major solo exhibition in Germany, at the Gropius Bau in Berlin. The wallpaper depicts irises, printed with phosphorescent ink on paper. It charges light and glows intensely in the dark.As the time goes by. the glow of phosphorescent ink gradually fades.

The pattern was previously seen as a background element in the set of the artist’s 2012 film Marilyn, which conjures up the presence of Marilyn Monroe in the set of a suite at the Waldorf Astoria Hotel in New York, where the actress lived in the 1950s.

マーキー　

半透明のプレキシグラス、電球、ネオン管、DMXレコーダー、調光器

Marquee, 2016
Opaque Plexiglas, lightbulbs, neon tubes, DMX recorder, dimmers

フィリップ・パレーノの《マーキー》は2006年に始まったシリーズで、作品の数は現在までで50以上にのぼります。作品により形や光の動きは様々で、本シリーズで用いられている、パレーノがプログラムし、DMXレコーダーがコントロールする照明プログラムは、作品を重ねるごとに発展しつづけています。

本作は、白熱電球やネオン管といった旧世代の照明技術と、最新の機械と手法で作られた近代的なアクリル、コンピュータープログラムを組み合わせています。２枚の半透明のアクリル板に設置された電球、13本のネオン管、２つの円形ネオンは、ときに呼吸器官のようにフェードイン・アウトし、ときに激しく点滅します。

そもそもマーキーとは20世紀初頭に登場した映画館や劇場のエントランスに設置された白熱光が点滅する庇で、映画のタイトルや役者の名前を知らせていました。パレーノの《マーキー》の面には文字はなく、展覧会の文脈と鑑賞者の想像力に応じて様々な意味をもちます。

Philippe Parreno's Marquee belongs to an ongoing body of work started in 2006 that consists of more than 50 existing marquees to date. It is also part of a new development inside the series that includes multiple lighting programs composed by the artist and controlled by a DMX recorder.

Parreno's Marquees are unique pieces, individual in their form, light effect and construction. The artist's Marquees combine lighting techniques that are almost a thing of the past (such as incandescent bulbs and neon tubes) with modern acrylics that are milled, shaped and formed according to the latest fabrication methods. Marquees first appeared at the beginning of the 20th century. The glowing, flickering porch roofs in front of entrances to cinemas and theaters were announcing movie titles and names of actors. Placed over the entrance of a gallery a Marquee by Philippe Parreno usually announces an exhibition event or a performance that takes place at the venue. The light-lit planes of the Marquees carry no text, thus the works play with a level of abstraction and acquire a different meaning according to the context of an exhibition and imagination of the viewer.

パレーノは2016年、ロンドンのテートモダン・タービンホールで行われるヒュンダイ・コミッションに選ばれ（「ヒュンダイ・コミッショ：いつでも(Anywhen)」〈1〉）、世界的な絶賛を受けました。2013年にはパリのパレ・ド・トーキョーで大規模個展「この世の外ならどこへでも(Anywhere, Anywhere Out of the World)」〈2〉を開催し、2万2000平米のギャラリースペース全体を初めて使ったアーティストとなりました。
2006年、アーティストのダグラス・ゴードンと共同監督を務めた主要映像作品「ジダン 神が愛した男(Zidane: A 21st Century Portrait)」〈3〉が第66回カンヌ国際映画祭でプレミア上映されました。
時間はパレーノにとって非常に重要なものです。2015年、ニューヨークのパークアベニュー・アーモリーのウェイド・トンプソン・ドリル・ホールで開催された展覧会「H {N)Y P N(Y} OSIS」〈4〉は、精密に演出した光、音、プロジェクション、パフォーマンス、リサイタルが続発していくというものでした。ときに「没入的」と表現されるパレーノの展覧会は、一定時間続くという展覧会の一側面を強める要素（光の彫刻、映像、音楽作品）を導入し、鑑賞者の速度をゆるめ、ときに座らせ、それぞれの作品に集中するように促し、最後には各要素を互いに関係させていきます。

1)「ヒュンダイ・コミッション：いつでも」テートモダン・タービンホール2016

2)「この世の外ならどこへでも」パレ・ド・トーキョー 2013年

2013年の「この世の外ならどこへでも」展〈2〉でパレーノは、パリのパレ・ド・トーキョーの巨大な空間全体を根本的に変えてよいという完全な自由を与えられました。パレーノは各要素を劇的に構成し、展覧会を”編曲”しました。オブジェクト、音楽、光、映像といった幽霊のような存在が鑑賞体験を導いて操り、新旧の作品へと旅立たせ、モノローグを多声音楽へと変えました。建物そのものを、生きた、進化しつづける有機体に変えたのです。
カルロス・バシュアルドとエリカ・F・バトルがキュレーションしたフィラデルフィア美術館での「花嫁のまわりで踊る」(2012年)では、ジョン・ケージ、マース・カニングハム、ジャスパー・ジョーンズ、マルセル・デュシャンらの作品のまわりに、パレーノは時間と動きを演出しました。2010年、サーペンタイン・ギャラリーでの「フィリップ・パレーノ」展では、鑑賞者はグループになって、サウンドトラックに従って部屋から部屋へと動きました。2013年のロンドン、バービカンでの「花嫁と花婿」展でも、音は再び主な要素となりました。ケージ、カニングハム、ジョーンズ、ラウシェンバーグ、デュシャンの作品のまわりで、パレーノが繊細に編成した、生の、あるいは事前録音された音が様々に続発し、生のダンスパフォーマンスと共に編成され、展覧会を何度も変化させました。

2012年、パレーノはアーティスト、リアム・ギリックとコラボレーションし、 「ビーチを通って月まで」を制作しました。アルルのアンフィシアターで展示された本作は、仕事、生産、変化に関する作品で、タイトルはその変化する性質と旅の決まり文句から付けられています。展覧会に入場すると、鑑賞者は大量の砂で覆われたエリアに出くわします。４日間かけて、この「ビーチ」エリアは砂の彫刻家により月の風景に変えられ、22人のアーティストのプロジェクトのための変化しつづける背景となりました。このプロセス全体は、制作、展示、アイデアの交換と同じく重要だとして、公開されました。
2014年、LUMAアルルキャンパスでの「ソラリス・クロニクル」展でパレーノは、ティノ・セーガル、ギリック、ハンス・ウルリッヒ・オブリスト、アサド・ラザ、ピエール・ブレら何人ものアーティストやキュレーターとユニークなコラボレーションをし、キュレーターも務めました。この展覧会は2期にわたり開催され、アーティストによる一連の介入とプロジェクトを通して、建築家フランク・ゲーリーの創造的なビジョンを分析しました。ゲーリーによる独創的な作品群の大スケールの模型を中心に、アーティストたちが制作した変化し続ける演出が、アートと建築の間に橋をかけ、２者の一般的な関係とコラボレーションのプロセスを変容させました。
パレーノはフランス、パリに拠点をおき、世界中で展示、出版活動を行っています。彼は1983年から1988年にグレノーブルのエコール・デ・ボザールにて、1988年から1989年にパリのパレ・ド・トーキョーのInstitut des Haute Etudes en artsplastiquesで学びました。
パレーノは以下の美術館で個展を開催してきました。ベルリンのグロピウス・バウ(2018年)、上海のロックバンド・アートミュージアム(2017年)、ポルトのセラルヴェス現代美術館(2017年)、メルボルンのACMI(2016/17年)、ミラノのハンガービコッカ(2015/16年)、ニューヨークのパークアベニュー・アーモリー(2015年)、パリのパレ・ド・トーキョー(2014/13年)、CAC マラガ(2014年)、モスクワのガレージ現代美術館(2013年)、リーエン／バーゼルのバイエラー財団(2010-11年)、ニューヨーク、バード・カレッジのキュレーター研究センター(2009-10年)、ダブリンのアイルランド近代美術館(2009年)、クンストハル・チューリッヒ(2009年)、パリのポンピドゥー・センター(2009年)。パレーノの作品は以下の数々の大規模な美術館のコレクションでもあります。ロンドンのテート、ニューヨークのMoMA、パリのポンピドゥー・センター、ニューヨークのグッゲンハイム美術館、日本の金沢21世紀美術館、パリのパリ市立近代美術館、サンフランシスコのSFMOMA、ミネアポリスのウォーカーアートセンターなど。彼の作品はベニスビエンナーレ(1993, 1995, 2005, 2007, 2009, 2015,2017年)、ベニス建築ビエンナーレ(1997, 2003, 2005年)、イスタンブル・ビエンナーレ(2001年)でも展示されました。